Autorretrato para el perfil.

 

Análisis del mensaje fotográfico (Fotografía familiar)

1.- Descripción de la escena (nombrar objetos, personas, posición, ropas, accesorios, gestualidad, etc.).¿Como es? ¿Que hay?.

En la escena podemos observar  cuatro personas posando al fotógrafo, un adulto que sostiene a una niña en sus hombros y a sus costados se ubican dos niños más; El adulto viste una polera rayada de colores celeste y rojo, la niña en sus hombros viste de blanco, la otra niña de su costado viste de rojo, y se nota muy cercana a la menor, el niño viste una camisa gris con diseños y unos pantalones de jeans azules.

En la imagen observamos un día soleado, las personas se encuentran en una plaza, sentados en una banca color verde, rodeados de arbustos, arboles y un edificio al fondo de esta imagen.

El adulto  esta sonriendo, mientras sostiene las manos de la sonriente niña en sus hombros. La niña de  la derecha de la escena se esconde tímidamente detrás de la pequeña niña. El niño al otro costado esta sonriendo, con los ojos cerrados, y con sus manos protegiéndose de los rayos del sol.

2.- Análisis formal  (constituida) (líneas, texturas, formas, contraste, color, distorsiones ópticas, etc, ¿Qué atrae nuestra atención?

La fotografía, tiene un contraste adecuado ya que se diferencia el punto de atención de la imagen con el fondo, también el brillo ya que resalta los colores de tal manera que se contemplen correctamente. En esta fotografía no se encuentra distorsiones ópticas como es “Distorsión de barril “,”Distorsión de cojín”, “Distorsión de bigote”. Existen  formas, que ocupan lugar en el espacio.

Lo que atrae nuestra atención, es el adulto y a la vez los niños a su alrededor  ya que están ubicados en el punto exacto y a la vez centrados en la fotografía.

3.- Interpretación:
a) Mensaje literal: Ya que esta fotografía es una escena muy nítida, muy clara de lo que se quiere representar.

4.- Evaluación

1.- ¿Cual es su propósito final, y en que medida lo cumple?

Su propósito final es obtener una imagen duradera, donde se pueda representar y recordar  el amor  familiar, y el paso de los años en el transcurso del tiempo, lo cumple totalmente ya que muestra claramente el paso de los años.

2.- ¿Se relaciona  otras imágenes del mismo tipo?

Si, podríamos encontrar varias imagen que tengas relación con está  ya que todos quieres recordar su pasado.

3.- ¿Cual es su circulo de influencia?, ¿A quienes le les pueden interesar?

Las influencias más características serian los mismos familiares, y le pueden interesar a las generaciones siguientes.

5.-Percepcion personal, ¿Como resuena el analista  con la imagen, ¿ lo atrae, lo motiva, lo emociona, lo involucra, lo aburre?

A mi me emociona, ya que me involucra totalmente, ya que yo soy la  niña que esta sobre los hombros de su padre y los niños de su costados son mis dos hermanos mayores y me doy cuanta hoy, al analizar esta imagen como poco a poco hemos cambiado y nos hemos alejado cada momento más.

Autobiografía Personal ...

1.- 



Mi nombre es Elizabeth Fernanda Frías Gamboa, Tengo diecinueve años,  vivo en la Comuna de  Quilicura y actualmente  curso mi segundo año de diseño en comunicación visual en la Universidad Tecnológica metropolitana.

Me encanta la fotografía y lo que podemos llegar a aprender en este año de Expresión fotográfica II.

Análisis Fotográficos de exponentes del retrato

1.- Richard Avedon 

(Nueva York, 1923) Fotógrafo estadounidense. Empezó a practicar la fotografía a la edad de diez años: su primer modelo fue el compositor ruso Serguéi Rachmaninov, amigo personal de sus padres. Estudió la disciplina en la New School of Social Research, después de lo cual realizó trabajos para revistas de moda como Harper's Bazaar (1946-1965), Vogue (1966-1990) y el semanario The New Yorker. Avedon se convirtió en uno de los fotógrafos de moda más influyentes del siglo, con un estilo caracterizado por el constante juego entre contrastes, tanto visuales (negro y blanco) como conceptuales (sofisticación y frivolidad). Entre sus trabajos más destacados cabe señalar así mismo numerosos retratos, a menudo austero y hierático. En 1959 se publicó la primera antología de su obra fotográfica, Observations, seguida más adelante por Nothing personal (1974) y Portraits (1976), entre otras.

• Descripción: Fotografía de una mujer que esta sobre la punta de sus pies, ella  usa un vestido el cual tiene movimiento a causa del viento.
  Análisis formal: Fotografía en blanco y negro, bastante uso del contraste, captura enfocada, movimiento en el atuendo.
  Significado: Quiere lograr reflejar la moda.
  Evaluación: Fotografías de la misma singularidad, intentaba captar  lo esencial de cada persona, aun cuando se dedico a fotografías de moda como en este caso.
  Percepción personal: Esta Fotografía de moda, me gustó por su vitalidad, el uso de contraste y la captura del movimiento del vestuario de la mujer.

2.-   Yasumasa Morimura

 (Osaka, 11 de junio de 1951) es un artista plástico japonés conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como apropiacionismo.

Nació en Japón pocos años después del fin de la Segunda Guerra Mundial, acontecimiento que supuso profundos cambios en las relaciones entre Japón y Occidente. Estos cambios influyeron intensamente en su educación y en su posterior obra. Comenzó su formación en Osaka, hasta que en 1975 obtuvo una beca para la Kyoto City University of Art, donde permaneció estudiando diseño hasta 1978. Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra (Oriente frente a Occidente, lo femenino frente a lo masculino, lo propio y lo extranjero, lo tradicional y lo contemporáneo...), así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad.

A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra. A través de la cámara, Morimura analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. Asimismo, rechaza otras oposiciones como predeterminadas, poniendo en tela de juicio la identidad sexual, cultural o nacional, denunciando una globalización desequilibrada e impositiva. Morimura ha sido englobado en el grupo de artistas de los setenta que utilizaron la técnica del “apropiacionismo”.

Mediante este procedimiento, el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación. De este modo, Morimura cosifica la obra (gran influencia de autores como Marcel Duchamp o Andy Warhol), del mismo modo en el que siente que el pueblo japonés ha sido cosificado por la opresión occidental. A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías a color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeo-instalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio Morimura es el actor de su obra. Mediante un elaborado maquillaje y un agudo narcisismo, se transforma en los personajes de los grandes clásicos, dando una nueva identidad a las grandes obras canónicas.

• Descripción: Fotografía  que se autorretrata la artista, representando a  “La infanta Margarita”, mira directamente a la cámara, como lo hace la niña.
  Análisis formal: Fotografía con uso de colores, resaltando el color blanco sobre el rojo y el negro,  tiene mucho contraste.
  Significado: Se apropia de un cuadro clásico y conocidos por todos, y le da un significado que la representa.  
  Evaluación: Fotografías de la misma singularidad, ella se apropiaba de personajes famosos, adaptándolos a su representación y  tornándolo  totalmente distinto.  
  Percepción personal: Esta fotografía la encuentro muy divertida, interpreta el concepto de identidad, Se apropia del arte occidental de la imagen de "La infanta Margarita", la re interpreta y le da otro significado por los cambios de la época.

3.- Rineke Dijkstra

Es una fotógrafa holandesa nacida en Sittard en 1959.

Su etapa de formación se sitúa en la Rietveld Academie de Ámsterdam entre 1981 y 1986.

Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería De Moor en Amsterdam en 1984.

Un año clave en la trayectoria artística de Dijkstra es 1991, cuando realiza un autorretrato en una piscina. El estado emocional que la artista reflejó en esa obra le sirvió de orientación a la hora de enfocar su carrera creativa. Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en la playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional.

• Descripción: Fotografía  de una mujer en la playa, en traje de baño color negro de dos partes,  ella esta seria, un poco tímida, el día está abochornado, y sin gente a su alrededor.
  Análisis formal: Fotografía con uso de colores, gran nitidez, centrada, y con  mucha luz.
  Significado:  Su objetivo es representar a la mujer natural, a la mujer cotidiana, a la que representa exactamente en estas ocasiones, una mujer sin maquillaje, sin un vestuario ni accesorios, que la represente totalmente,
  Evaluación: Fotografías de la misma singularidad, captadas en momentos cotidianos  de jóvenes .
  Percepción personal: Me gusta esta fotografía porque retrata a la mujer desprevenida, muestra a la mujer real tal cual es, en un momento indeterminado.

4.-Cindy Sherman 

Nacida el 19 de Enero de 1954 en Nueva Jersey, es una fotógrafa y directora de cine estadounidense.

Cindy Sherman se empezó a interesar por las Artes Visuales mediante la pintura en la Universidad de Buffalo, aunque enseguida pasó a usar la fotografía como medio favorito de expresión debido a las limitaciones que encontraba en la pintura.

Es conocida sobre todo por sus autorretratos conceptuales, Complete Untitled Film Stills (1977-1980), en los que se cambia su ropa y su aspecto para dar a las fotografías apariencia cinematográfica usando estética y planos propios del Cine negro.

• Descripción: Fotografía  de una mujer sonriendo, con pelo corto y sombrero, con un vestido  rayado de color blanco y rojo, bebiendo y fumando un cigarrillo, y su rostro es extraño.
  Análisis formal: Fotografía con uso de colores, gran nitidez, centrada, juego de luces, plano medio,
  Significado: Su objetivo es representar autorretratos perceptuales, como en todas sus obras, por las limitaciones en la pintura.
  Evaluación: Distintas tomas en cada fotografía, a colores y en blanco y negro; las fotografías tenían estéticas y son absolutamente dramáticas.
  Percepción personal: Me gustó esta fotografía de autorretrato conceptual porque es la que encuentro que tiene más de apariencia cinematográfica, y me gusta la toma y el sentido de la fotografía.

5.-Gilles et Pierre

Son una pareja de fotógrafos y artistas franceses que desde hace más de 30 años llevan explorando y reinventando la iconografía popular, destinada, según ellos mismos, a ver la vida de una manera más amplia, a “tratar de comprender las diferencias”, y que va mucho más allá de la estética kitsch o la cultura gay.

Herederos de la tradición estética de los provocadores ingleses Gilbert & George, desde sus inicios, la pareja apostó por el trabajo artesanal y en sus más de 800 obras han seguido siempre el mismo proceso creativo: Gilles construye los decorados y Pierre ilumina y hace la foto, que una vez revelada, Gilles pintará minuciosamente, pincelada a pincelada, una única copia hasta conseguir su particular aura de intencionada irrealidad, rompiendo drásticamente con el arte conceptual o la fotografía en blanco y negro, corrientes imperantes en sus comienzos en 1977, aunque según cuentan ellos, nunca fue su objetivo ser iconoclastas, y a pesar de las críticas encontraron su lugar en las revistas, la publicidad y la moda. Campañas gráficas para los desfiles de Thierry Mugler, colaboraciones para revistas como Marie Claire o Playboy y Cover Arts para discos de Etienne Daho o Amanda Lear fueron algunos de sus primeros trabajos. Comenzaban así su meteórica carrera, Pierre y Gilles.

Han fotografiado estrellas del pop y del rock, iconos de la moda, el arte, el cine, y la vida nocturna, así como personajes anónimos que han conocido a lo largo de su vida. Sus creaciones son fruto de estos encuentros. Desde Serge Gainsbourg hasta Marc Almond o Boy George. Desde Madonna hasta Catherine Deneuve. Incluso Michael Jackson, en la cima de su popularidad, les llamó para que trabajaran en un libro dedicado íntegramente a él, pero rechazaron su propuesta. Jackson no sabía que cada obra se retocaba a mano y no podía imaginar que completar las 70 imágenes que él ansiaba hubiera significado más de dos años de dedicación exclusiva.

Su original estética encuentra su origen tanto en la historia del arte como en la cultura e imaginería popular contemporánea. Su exuberancia, su barroquismo, los decorados de plástico y el reciclaje de la utilería sadomasoquista de muchas de sus obras conectaban con una estética más amplia que se desarrolló durante la segunda mitad del siglo XX, desde la cultura queer y el orgullo gay hasta el estilo de diseñadores como Jean- Paul Gaultier, con quien comparten el gusto por la iconografía marinera.

• Descripción: En la fotografía podemos ver  a dos hombres besándose, uno vestido como marinero y el otro con boina y camisa desabrochada, con un pañuelo rojo en el cuello.
Análisis formal: Fotografía con uso de colores, gran nitidez, centrada, plano americano, luz artificial.
 Significado: Su objetivo es captar las diferencias en  los sentimientos y el aceptar diversidad.
Evaluación: Sus fotografías quieren logar abrir la mente del receptor para así ver la vida de manera más amplia y sutil.
Percepción personal:  Me gustó esta fotografía por el contenido de diversidad, de poder observar una cultura distinta, representada constantemente en sus obras.

6.- Irving Penn 

(Plainfield, Nueva Jersey, 16 de junio de 1917 - Nueva York, Nueva York, 7 de octubre de 2009 ) fue un fotógrafo de modas y de retratos estadounidense.

Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia, de la cual egresó en 1938. Su profesor fue el fotógrafo Alexey Brodovitch, quien más tarde sería su colega en la revista Harper’s Bazaar. Luego viajó a México, donde se dedicó a la pintura durante un año.

Sus dibujos fueron publicados en Harper's Bazaar. Su primera labor en la revista Vogue fue como ayudante del artista Alexander Liberman. En 1943, comenzó a trabajar como diseñador de portadas.

Después de la Segunda Guerra Mundial, Penn adquirió fama por sus elegantes y glamorosos retratos femeninos publicados en Vogue. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos de la época.

En 1950, se casó con la modelo Lisa Fonssagrives, con quien tuvo un hijo llamado Tom. Tres años después, fundó su estudio fotográfico. Quedó viudo en 1992, cuando Fonssagrives tenía 80 años.

Recibió el premio Hasselblad en 1985, y dos años más tarde fue galardonado con el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de Fotografía.

Publicó diversos libros, incluyendo The astronomers plan a voyage to Earth (1999) y Photographs of Dahomey (2004), además de exhibiciones de su obra.

Falleció el 7 de octubre de 2009 en su casa de Manhattan a los 92 años.

• Descripción: En la fotografía en blanco y negro podemos observar a una mujer muy elegante fumando un cigarrillo, y acariciando su mano se ve  la de un hombre, delante de ella una botella transparente con un líquido hasta la mitad, la cal ella se ve reflejada por su transparencia.

            Análisis formal: Fotografía con uso de blanco y negro, gran nitidez, centrada,  utilización de la transparencia.

            Significado: glamorosos y elegantes retratos femeninos.  

           Evaluación: Sus fotografías quieren resaltar el paso del tiempo, la belleza  de la mujer.

           Percepción personal: Me gustó esta fotografía por ser a base de blanco y negro y el contenido de feminidad, la     representación de la mujer y su naturaleza misma.

7.- Yousuf Karsh 

(Mardin, 1908 - Boston, 2002) fue un fotógrafo canadiense de origen armenio.

Nació en Mardin, en la parte occidental de Armenia que actualmente forma parte de Turquía. A la edad de 14 años su familia, huyendo de la persecución de la que era objeto la población armenia, se refugia en Siria. Dos años después, Yousuf se trasladó a Sherbrooke, en la provincia de Quebec, (Canadá) y vivió con un tío que se desempeñaba como fotógrafo.

En Sherbrooke asistió a la escuela y en el tiempo libre ayudó a su tío en su actividad profesional, quien observó el talento de su sobrino y le consiguió un puesto como aprendiz en Boston con el fotógrafo John Garo.

Cuatro años más tarde Karsh regresó a Canadá y abrió un estudio propio en Ottawa, cerca de la sede del Gobierno. Fue casualmente descubierto por el Primer Ministro canadiense Mackenzie King que lo introduce en el ambiento político, encargándole retratos de dignatarios extranjeros en visita oficial. Karsh obtiene una discreta notoriedad, pero la fama lo encuentra en el año 1941, en ocasión de la visita a Ottawa de Winston Churchill, cuando retrata al Primer Ministro británico. Esta foto sería uno de los retratos fotográficos más conocidos y reproducidos de la historia.

• Descripción: En la fotografía en blanco , podemos observar a Einstein mirando un punto fijo diagonal a la cámara, sentado, y con sus manos entrelazadas.
  Análisis formal: Fotografía con uso de blanco y negro, gran nitidez, centrada,  mucho contraste.
  Significado: Representa al científico, su paciencia, y su forma de ser  para representarlo tal cual es.
  Evaluación: Sus fotografías quieren resaltar la esencia de las personas
  Percepción personal: Me gusta esta fotografía, porque es uno de los retratos de este artista que más me llamo la atención, por ser Albert Einstein, y su nitidez y expresión lo hace más representativo.

 8.- Goldbeck Eugene

Su gran característica recae en la fotografía de grandes multitudes, donde predominan los escudos e insignias de orden patriótico.

Este autor fotografías de grupos grandes de personas, creando dibujos que representan figuras conocidas, se caracteriza por la fotografía panorámica.

• Descripción: En la fotografía en blanco y negro, podemos observar  muchas personas formando una insignia patriótica.
  Análisis formal: Fotografía con uso de blanco y negro, gran nitidez, centrada,  mucho contraste y organización.
  Significado: Representa  el amor por la patria y la organización de masas.
  Evaluación: Sus fotografías quieren resaltar la especialización de fotografiar multitudes.
  Percepción personal: Esta fotografía me llamo mucho la atención por la capacidad de organización de masas, para poder lograr una representación del escudo patriótico, además de la altura requerida para poder visualizar totalmente la multitud.

9.- Chuck Closet 

Nacido el 5 de julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un artista estadounidense, pintor y fotógrafo fotorrealista. Desde 1988 tetrapléjico, prosiguió su carrera utilizando diversos métodos creativos

La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en fotografías (técnica del fotorrealismo o hiperrealismo). En 1962 recibió su titulación (B.A.) en la Universidad de Washington en Seattle. Se graduó (MFA) por la Universidad de Yale en 1964. Estuvo en Europa con una beca del Programa Fulbright, regresando a EE.UU. donde trabajó como profesor de arte en la Universidad de Massachusetts.

En 1969 su trabajo fue incluido en el Whitney Biennial. En 1970 realizó su primera exposición individual. Su trabajo se expuso por primera vez en el MOMA, Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1973.

Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora. Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968. Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.

Close ha regresado a menudo a las mismas fotos para pintar una y otra vez con técnicas diferentes. Una foto de Philip Glass se incluyó en su serie en blanco y negro de 1969, rehecha con acuarelas en 1977, de nuevo rehecha con tampón y huellas en 1978, y también con papel gris hecho a mano en 1982.

Su trabajo posterior se ha ramificado en mallas no rectangulares, regiones de colores similares tipo mapa topográfico, trabajos en mallas de color CMYK, y el uso de grandes mallas para hacer obvia la naturaleza celular de su trabajo incluso en pequeñas reproducciones -- el Gran Autorretrato está hecho con tanta perfección que incluso una reproducción a toda página en un libro de arte no puede distinguirse de una fotografía normal.

En 1988, Close sufrió un colapso de su arteria espinal, el día que iba a dar una conferencia en una ceremonia de entrega de premios de arte. Se sintió enfermo antes, dio su conferencia, y después acudió con dificultad a un hospital en la calle de enfrente. Pocas horas después era un parapléjico.

Close siguió pintando con un pincel entre los dientes, creando mini-retratos en mallas cuadradas preparadas por un asistente. Desde la distancia, estos cuadrados aparecen como una imagen única. Recuperó algún movimiento en su brazo y piernas, y en la actualidad pinta con una brocha atada a su mano.

La obra Kiki, completada en 1993, le llevó cuatro meses.

Close vive y pinta en Bridgehampton, Nueva York.

Es miembro de la Academia de Artes y Letras Americana y recibió la Medalla Nacional de las Artes.

Descripción: En la fotografía en blanco y negro, podemos observar  un hombre (el autor) con gafas, y fumando un cigarrillo.
Análisis formal: Fotografía con uso de blanco y negro, gran nitidez, centrada,  mucho contraste,
Primer plano.
Significado: Representa al autor, y su forma de ver.
Evaluación: Sus fotografías quieren representarlo y reasentarse el.
Percepción personal: Me gustó esta fotografía, ya que es la representación del mismo fotógrafo y pintor hiperrealista, es tan el realismo de la pintura que te desconcierta totalmente.

10.- Philipe Halsmar

Nacido el 2 de mayo de 1906- 25 de junio de 1979, fupe un fotógrafo letón estadounidense muy conocido por sus retratos de personajes célebres.
Caracterizado por si ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del "jumping Styke" o "jumpology", a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. En el salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible, explica Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas imágenesde saltos se publicaron en 1949 alcanzando éxito. No todas eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.

•   Descripción: En la fotografía en blanco y negro, podemos observar  dos hombres, en el aire a causa de haber saltado, están abrazándose y tienen la boca abierta con una expresión entre de miedo, libertad, emoción.
  
  

  Análisis formal: Fotografía con uso de blanco y negro, gran nitidez, centrada,  mucho contraste, luz artificial.

  
  

  Significado: Representa  la verdadera expresión en un salto.

  
  

  Evaluación: Sus fotografías  quieren sacar el verdadero ser .

  
  

  Percepción personal: Me gustó esta fotografía por la sensación de un salto real, de las expresiones faciales que tienen ambos hombres y lo natural que logra captar el fotógrafo la toma; esta divertida y energética.